Spectacles

PRIX

• Adhérent :
  12€ Adultes / 6€ -16 ans
• Non-adhérent :
  15€ Adultes / 8€ -16 ans

PRIX

• Adhérent : 4€
• Non-adhérent : 5€

PRIX

• Adhérent :
  12€ Adultes / 6€ -16 ans
• Non-adhérent :
  15€ Adultes / 8€ -16 ans

SYNOPSIS

DANCING PINA célèbre l’oeuvre artistique de Pina Bausch et les personnes qui aujourd´hui encore se consacrent à la perpétuer.
Au Semperoper en Allemagne et à l’École des Sables près de Dakar, de jeunes danseurs, guidés par d’anciens membres du Tanztheater de Pina Bausch, revisitent ses chorégraphies légendaires. Pour ces artistes, issus de la danse contemporaine, du hip hop ou du ballet classique, danser Pina, c’est questionner ses limites, ses désirs, et métamorphoser une œuvre tout en se laissant soi-même métamorphoser par elle. Réalisateurs : Florian Heinzen-Ziob avec Clémentine Deluy, Malou Airaudo.

KOKEDERA – CIE I’R I’RA

Le Solo “Kokedera” est la rencontre des mousses végétales, une des âmes du monde nippon, et des valeurs du Bushido, code de valeurs des Samouraïs au Japon. « Le cœur des hommes est l’âme des fleurs » dit un proverbe japonais.

Regardons les arbres, couverts de mousse… Les pierres couvertes de mousse… On pourrait considérer la mousse comme une force érosive… ou bien, comme la vie, faisant de son mieux pour se perpétuer… Désherbée à certains endroits du globe, elle est un des éléments essentiels des jardins traditionnels japonais… la mousse …. une impression d’immensité…. Aussi, quand on s’y penche… de douceur, de tendresse et de délicatesse … elle permet une pause fractale introspective prolongée… Ne pas penser, mais être, tout simplement…

On y verra, en elle, peut-être, la réduction de toute chose à son Essence même. Depuis cette rencontre mystérieuse du monde végétal riche, nourricier et ressourçant qu’est la mousse, grâce au corps et au mouvement, Alma Petit a eu envie d’y associer la plongée sensorielle et philosophique dans les valeurs fondatrices du Bushido, code de valeurs des Samouraïs au Japon qui peuvent y nider. Ces valeurs structurent encore aujourd’hui l’âme et la société japonaise : Justice, Courage, Bienveillance, Politesse, Sincérité, Honneur et Loyauté.

Ce retour à l’Essentiel pour Alma est, à travers ce solo, sa manière de sublimer son jardin intérieur, de laisser sa créativité s’exprimer, au creux du délicat, discret, et fertile, en y laissant s’éclore et se dire la puissance tranquille et restructurante incarnée par ces valeurs et ces regards nippons à travers les siècles.

NOTE D’INTENTION

D’une peinture à l’autre, le danseur-interprète Dara You voyage entre « Paris, rue Jean Robert » et « The River ». Peintre figuratif, Laurent Proux nous enchante entre réalité quotidienne, mécanismes sociaux et paysage crépusculaire. Des liens physiques vont unir danse et peinture. Observer la scène, prendre la pose pour en définir et élargir les contours. Une main sur la nuque, une autre sur l’épaule, un regard sur le côté…

Par le figuratif et l’accumulation, le geste va esthétiser le réel, poser le temps, ouvrir les fragments d’une autre temporalité régie ou endolorie dans un mouvement minutieux, doux, à l’ouvrage, multiple.

Julie Fontès-Trameçon

JULIE FONTÈS-TRAMEÇON

Julie Fontès-Trameçon est artiste-enseignante. Titulaire du diplôme d’état en danse contemporaine, d’un Master 2 Art Danse à Paris VIII; elle conçoit la danse comme un lieu de recherche au gré des projets artistiques pour rendre visible, lisible et libre des sensibilités, des imaginaires, des espaces et des corps. En cela elle se nourrit et s’inspire en partie de la matière et de la personnalité de ses interprètes. Elle explore dans ses pièces une danse de plateau qui conjugue intuition et présence dans un debout partagé. Se mesure en elle  et dans ses créations : une pédagogie chorégraphique nourrie de toute cette phase de créativité, intimement liée à la lisière et à la croisée des arts, de la littérature, de la mode et de l’architecture. De formation initiale classique au sein de différents conservatoires : le travail de postures, d’esthétique, de porosité sont des éléments fondateurs de sa danse. Qu’elle cherche à ponctuer, rythmer, de ces «  petits riens », de ces interstices qui déstructurent, donnent et laissent entendre une couleur, une prestance, qui se conjuguent dans la délicatesse, la fragilité, le désir ou la fulgurance du mouvement.

Recherche, création et transmission sont ainsi au cœur de son parcours et de son écriture chorégraphique. La compagnie pensée comme une plateforme artistique accueillant des artistes en résidence en porte les valeurs de sa fondatrice. Un parcours qui s’étend aujourd’hui à l’international dans son rôle d’assistante chorégraphique pour le chorégraphe Gervais Tomadiatunga et dans sa mission de directrice pédagogique pour l’école Koundi à Brazzaville. Et qui tient aussi de son statut de professeur de culture et pratique chorégraphique dans la Filière S2TMD. Agrégée en EPS certifiée danse avec une maîtrise éducation motricité, son expérience universitaire en tant que formatrice lui ouvre des portes à la croisée de différents systèmes, à travers cette nouvelle mission de consultante auprès du chorégraphe David Llari sur sa méthode
DPC récompensée par l’académie des beaux arts.

CARMEN – CIE CHUTE LIBRE

Elles sont trois : trois corps, trois assisses, trois lumières. Elles nous attendent déjà sur scène, prêtes à ne pas décider, instinctives. Leurs dos font face aux curieux. Elles se déplacent les bras aériens, nerveux, pieds et bassins dans la terre. Puis leurs corps fondent, paresseux, avant de se redresser, présents et alertes. Sorcières modernes, elles marquent le tempo, tremblent et se cambrent : commence alors une cérémonie du rythme. La musique nous embarque avec elles, les ambiances sonores s’envolent ou grondent, basses et percussions musclent l’effort, les silences et les respirations reposent les corps dans un univers inspiré par l’opéra de Bizet. Le spectacle Carmen est un trio en roue libre, une chorégraphie impulsive où improvisation et écriture se chevauchent. Annabelle Loiseau et Pierre Bolo précisent leur travail sur le postural, sur une danse musclée, délicate, musicale et urbaine. Trois corps, trois assisses, trois lumières qui forment un cercle imparfait où s’exprime une liberté de mouvements, d’attitudes, de choix.

PIERRE BOLO

Chorégraphe, danseur interprète, comédien, formateur

«…Mon travail implique la scène et, sur le sujet, tout est à faire, c’est un chantier permanent. J’ai longtemps abordé les spectacles par l’univers de personnages qui stimulaient un état, un cocon, dans lesquels mon corps libérait sa partition. Le théâtre m’a suggéré la relative superficialité de s’en contenter. Interpréter les personnages consistants de Shakespeare ou de Victor Hugo a révolutionné mon approche. Ces auteurs ont le verbe. Que proposent le corps et l’espace scénique ? Comment s’articulent les courants d’air, le mouvement ? Quelle dynamique dessinent-ils ? Des contrepoints, du contraste, émergent le relief. Quelles cimes atteindrons-nous ? Depuis la face jusqu’au lointain, la lumière étend la profondeur. Créons nos abysses ! Quelle apnée, quel souffle permettrons-nous ? Le regard, la main, l’attaque de l’interprète transpirent à l’instant d’une torsion unique. Elles émettent une note libre et composent la vie du spectacle. Le geste et l’attitude sont nos phrases. Le silence des postures est une précieuse musique. Tendez l’oreille…»
(Propos recueillis et écrits par Etienne Bolo)

NOTE D’INTENTION

En clin d’œil au questionnement « A quoi tu penses ?», cette création imaginée pour les espaces non dédiés est une invitation à (re)découvrir des espaces communs, urbains ou naturels auxquels nous sommes habitués, où le quotidien a laissé son empreinte et où les générations se sont succédées.

L’idée est d’amener le public à valoriser l’existant, à jeter un œil nouveau à son environnement alors mis en mouvement par des modules chorégraphiques réadaptés pour chaque lieu investi. Parce que le mouvement c’est le vivant, “A quoi tu danses ?” propose un instant suspendu à toute personne se retrouvant sur les mêmes lieux, où la danse parfois amenée comme un jeu, invite à la légèreté.

NOTE D’INTENTION

L’Archipel – une exposition chorégraphique est un projet issu de la rencontre entre Aline Brugel (plasticienne) et Rosine Nadjar (chorégraphe). Ensemble, elles ont exploré la notion d’espace, avec le désir de faire entrer en interaction œuvre plastique – œuvre chorégraphique – lieu/public. Aline Brugel propose ici des sculptures géométriques aux surfaces miroitantes, les Roches. Quant à Rosine Nadjar, elle propose un duo en immersion dans cet environnement “rocheux”, devenant un paysage mouvant. La danse et l’installation dialoguent et sont des vecteurs pour éveiller les sens du spectateur en lien avec l’environnement dans lesquelles elles sont déposées. L’Archipel – une exposition chorégraphique est le souhait d’ouvrir un espace poétique, à la fois dynamique et contemplatif. Aller toucher sa capacité d’émerveillement en se laissant surprendre par ce qui peut apparaître; aller questionner ce qui est manifeste, ce qui se perçoit au premier abord, et les détails cachés qui peuvent surgir et révéler la profondeur d’une nature et sa beauté, tels sont les enjeux du projet.

ROSINE NADJAR

Rosine Nadjar est danseuse, chorégraphe et enseignante. Elle créée la compagnie Lo en 2005, elle en est la chorégraphe et la directrice artistique.
Ayant reçu une formation de danseuse, de pédagogue, et également une formation universitaire en histoire, Rosine inscrit la compagnie Lo dans une identité croisée entre la danse contemporaine et le patrimoine. Le travail de recherche et de création développé au sein de la compagnie Lo s’est toujours tourné vers le désir de rencontre avec l’altérité au travers de projets destinés à des publics variés (enfants, adultes, publics empêchés, novices en danse et danseurs expérimentés). Les pièces Averses, et puis…, Nuit Blanche, WALK!, La Ronde, notamment, ont permis de proposer à la fois des représentations dans différents contextes, théâtral, patrimonial, scolaire, carcéral, et également d’être dans le partage et l’échange avec les publics au travers d’ateliers, de bords plateaux, de sorties de résidences et de créations pour des groupes de danseurs amateurs. Titulaire du C.A. en danse contemporaine, Rosine intervient également en tant qu’enseignante au sein de différentes structures nantaises, en formation initiale et en formation supérieure.

ALINE BRUGEL

Diplômée en Art et Danse Contemporaine, Aline Brugel travaille en tant qu’artiste plasticienne, scénographe mais également professeure de danse et chorégraphe. Installée à Nantes, elle développe et expose des projets en France et à l’étranger dans des lieux d’exposition, ou In Situ, tel que son projet Corps In Situ in City. Son travail artistique tend à une convergence des deux Arts, invitant le public à se projeter dans un univers sensoriel en 3 dimensions. Ses créations sont transcendées par la présence du visiteur qui interagit avec elles comme pour sa dernière œuvre, Moving Land, qui invite le public à l’activer par son déplacement. Elle démontre par ce biais l’impact de nos actes physiques sur ce/ceux qui nous entourent. Par ses compétences pédagogiques, Aline Brugel dispense également des formations autour des arts plastiques. Elle enseigne la danse contemporaine dans des structures diverses. Elle propose également des ateliers pluridisciplinaires (Art-Danse) apportant un regard transversal sur la création artistique en déployant une approche sensible et physique de la matière.